옻칠 속 빛을 꺼내 담고, 걸고, 정해조

과거에 대해 여쭤보기 전, 미래에 대한 이야기부터 할까요? 새로운 것부터 말이죠. 3년 전부터 시작해 앞으로 더욱 집중적으로 작업하고 싶으시다는 평면 작품이 궁금합니다. 평면 작업은 기존 작업과 어떤 것이 다르고, 무슨 계기로 시작하셨나요?
평면 작업은 제 작업의 연장선입니다. 옻칠 작품을 회화처럼 벽에 걸 수 있는 형태로 변환한 것이죠. 2008년부터 전시할 때마다 한두 점 소개하다 본격적으로 몰두한 것은 3년 정도 되었습니다. 2013년 영국 공예청이 주관하는 공예 아트 페어 ‘콜렉트’에 출품한 이후 대영박물관과 빅토리아 & 앨버트 박물관에 작품이 소장되었고, 밀라노에서 열린 <한국 공예의 법고창신>과 프랑스 장식미술관에서 열린 <한불 수교 130주년 기념 전시> 등에 참여하면서 세계 전역의 미술 관련 전시와 페어에 참여할 기회가 많았어요. 공예와 미술의 경계는 사라지고 있지만, 여전히 활동 무대는 다르다고 느꼈죠. 50여 년간 옻칠에 매달려 발전시킨 제 작품 세계를 공예 영역이 아닌 좀 더 포괄적인 무대에서 소개하고 싶다는 생각을 했어요. 그래서 평면 작업을 더 발전시켜야겠다는 판단이 들었죠. 이런 행보가 ‘공예’에서 ‘미술’로 전환한 것이라 생각하지 않아요. 저 스스로를 공예가라고 정의한 적이 없거든요. 저는 옻칠이란 재료를 이용해 아트 작품을 만드는 아티스트로, 제 작품은 기능, 심미안, 철학 등 모든 관점을 담고 있다고 생각해요. 토기 형태로 작업한 색광율 또한 공예와 아트 사이의 현대 공예로서 존재하죠. 평면 작업은 그중 심미안과 철학을 강조한 미술 작업에 좀 더 가깝고요.

한국 전통 직물인 삼베를 천연 옻에서 채취한 생칠로 겹겹이 이어 붙이는 방식, 오방색에 드러나는 깊이 있고 영롱한 빛을 끌어내는 방식, 물결이 요동치듯 굴곡진 모양새 등 방식은 같지만 느껴지는 분위기는 전혀 다른 것 같아요.
원래는 평평한 형태였어요. 율동감을 주기 위해 일부러 굴곡을 넣은 것이 아니라, 제 작품의 핵심인 빛을 끌어내기 위해 다양한 시도를 하다가 찾은 형태죠. 바탕이 되는 판을 불로 구부려 형태를 잡고 그 위에 삼베를 층층이 겹쳐 말린 후 나중에 삼베만 떼어내요. 그 위에 여러 번 옻칠을 하고 빛을 살리면 보는 방향에 따라, 표면 굴곡에 따라 난반사가 일어나면서 다양한 질감이 불러일으키는 감정이 전해지죠. 형태도 색채도 규칙적이지 않아요. 작품마다 다를 수밖에 없고, 제 컨디션에 따라서도 다르죠.

기의 형태의 작업보다 더 시간과 노력이 필요할 것 같습니다.
평면 작업은 좀 더 발전시켜야 해요. 옻칠에 숨어 있는 광채를 불러내는 것이 가장 큰 관건이에요. 표면을 곱게 갈아야 하는데, 굴곡이 있어 만만치 않은 작업이거든요. 칠에도 여러 여러 단계가 있고, 단계마다 마감과 건조가 필요해 기간도 매우 오래 걸리지요. 한편으로 더욱 다양한 작업으로 발전시킬 수 있을 것 같습니다. 기존의 것보다 좀 더 다양하고 과감한 시도를 해 볼 수 있겠지요. 

그럼 평면 작업은 공예인가요, 아트인가요?
굳이 평면 작업을 공예와 아트로 구분해야 한다면 아트에 가까워요. 그러나 그 구분은 이 시대에는 의미가 없을 것 같아요. 아티스트의 의도에 따라 변형할 수 있겠죠. 공예는 사전적으로 ‘물건을 만드는 기술에 관한 재주’를 뜻합니다. 여기에는 암묵적으로 ‘손으로’라는 의미를 내포하고 있죠. 조각보 한 장에도 공예적 가치가 내재되어 있어요. 그래서 공예가가 되려면 한 가지 재료를 치열하게 파고들어야 하고, 그 재료에 관련된 완벽한 기술을 익혀야 합니다. 하지만 공예와 미술을 결합한다고 해서, 공예의 정의와 본질이 사라지는 건 아닙니다. 본질적인 것은 물건을 만드는 재주에 있지요. 하지만 현대 공예는 재주만 있다고 되는 것이 아닙니다. 기술, 쓰임, 형태, 미감 등 모든 것이 가치 기준이 되지요. 공예가가 반드시 공예라는 테두리 안에 있을 필요는 없다고 생각합니다. 조금 더 열린 사고방식을 지닌 사람이라면 자신의 스타일을 고수하되 좀 더 확장된 개념의 작업을 시도해볼 수 있죠. 저 또한 50여 년간 옻칠 공예를 해온 작가이고, 옻칠이란 재료를 치열하게 파고든 사람이지만, 전형적인 형태의 작품만 만들어야 한다는 생각은 대학교 시절에도 하지 않았어요. 자신이 탐구한 재료를 가지고 얼마든 다양한 이야기를 쏟아낼 수 있죠.

대학교 때 처음 옻칠을 배웠다고 하셨어요. 홍익대학교 학생 시절, 어떻게 옻칠과 인연을 맺게 되었는지 좀 더 자세히 설명해주세요.
여기, 옥천읍 대천리가 제 고향인데, 그림 그린다고 서울 홍익대학교까지 갔으니 고생을 좀 했죠. 학교를 1년간 다닌 후 학비와 생활비를 마련하기 어려워 어쩔 수 없이 휴학하고 군대에 가게 되었는데, 복학하려고 보니 다니던 도안과가 공예과와 분리되면서 둘 중 하나를 선택해야 했어요. 그때 지도 교수님이 “당장 취직하는 데는 도안과가 좋겠지만, 트렌드에 민감하지 않으면 계속할 수 없고, 대신 공예과는 처음은 힘들지만 시간이 갈수록 빛을 발할 수 있다”라고 하셨죠. 평생 그림을 그려야 했기에 공예과 중 목공예과를 선택했어요. 그런데 목공예과에서는 칠을 배울 수 없었어요. 나무 본연의 컬러가 좋다는 것이 이유였죠. 당시 전공 실기 과제였던 스탠드를 만들어놓고서는 칠을 하고 싶다는 말을 하니, 담당 교수가 칠공예 공방을 소개해주었어요. 앞에서도 얘기했지만, 이후 칠공예에 푹 빠져 직접 무형문화재 장인들을 찾아 다니고, 늦은 나이지만 일본 칠공예의 본고장인 가나자와 미술공예대학 미술공예연구소로 유학까지 갔죠. 그때 깜짝 놀랐어요. 우리나라의 경우 몇몇 장인이 겨우 명맥만 유지하는 옻칠 공예가 일본에서는 큰 인기를 끌고 있었고, 우리나라 옻칠이 어느 나라보다 우수하다는 것을 느꼈거든요. 나전칠기라는 우리의 대표적인 옻칠 공예가 있는데도 옻칠 공예와 관련된 산업이 뒤처져 있는 것 같아 유학을 마치면 옻칠 관련 산업 육성해야겠다는 생각을 했죠.

유학을 다녀온 후 배재대학교 교수가 되면서 처음으로 미술학부에 칠공예 전공을 만들고 석사과정을 개설하셨어요. 따님인 정은진 선생(옻칠 아티스트로 활동 중이다)도 제자였다고 들었습니다.   
‘배재대학교 해조 옻칠 데코아트센터’라는 학교 기업을 만들고 국내외 옻칠의 예술성과 실용성을 알리기 위해 노력했어요. 제가 그동안 치열하게 기록해온 옻칠 제작법을 모두 알렸죠. 무엇보다 2005년 12월 제 고향 옥천이 옻 산업 지역 특구로 지정되어 무척 기뻤어요. 일본에서 제가 느낀 것은 옻칠을 산업화해야 한다는 것이었어요. 옥천은 기후나 토양이 옻을 재배하기에 알맞고 고령화된 인구를 인력으로 활용하기에도 효과적입니다. 사통팔달이기 때문에 칠공예 단지화할 경우 많은 관광객을 유치할 수도 있죠. 그래서 작품 만드는 시간을 쪼개 각기 다른 전통 칠기 제작 기법에 대한 자료를 모아 데이터베이스 만드는 일도 하고 있어요. 그중에서도 용어 정리가 가장 시급합니다. 옻칠 아티스트가 되고 싶어 하는 저의 제자들에게 방법을 가르쳐주려 해도 일정하지 않는 용어 때문에 혼선이 생기거든요. 국내 용어의 경우 중국과 일본어에서 변환된 것이 많아 용어의 근본을 찾고 이를 한글화하는 작업이 필요해요. 제 작업 명칭인 ‘협저태’라는 말도 그렇게 정리한 것이죠.